Dieses Sofa ist ein Sinnbild der Einsamkeit und dafuer, wie man manchmal Hals ueber Kopf in den Wahnsinn rennen muss, um weniger Schmerz zu empfinden. Ein Sofa, das DAVDESAIN auf den Mond schickte, auf der Suche nach einem Frieden, der nie kam. Und so ruestet sich der Geist, schiesst in eine Umlaufbahn ueber eine feiernde Welt, auf der Suche nach jenem mikroskopischen Funken Liebe, der im Herzen eines unerwarteten Sturms verloren ging, in dem alles an den Geliebten erinnerte, der mittlerweile nur noch Abwesenheit und Angst war.
So flohen wir auf den Mond, in ein apokalyptisches Szenario, auf der Suche nach dieser Liebe, die selbst dort nicht zu wohnen schien, und waehrend wir darauf warteten, dass die Sterne uns den Weg wiesen, erschien er, das Sofa „While I wait and I cannot stay“. Ein Zweisitzer, geschmueckt mit spitzen, glaenzenden Metallelementen an den Raendern, ein Fragment eines Raumschiffs, das dem Aufprall des Herzens nicht standhielt; das Metall, um die Kompaktheit des Schmerzes zu signalisieren, wenn er ueber uns hereinbricht, eine Form, die, obwohl geschwungen, spitz und bestaendig bleibt wie Gedanken, die dieser Verzweiflung nicht entkommen koennen: es ist auch ein Schmerz, der sich dann kristallisiert und zwischen zwei Sitzen aus gehaemmertem schwarzem Kalbsleder erstrahlt, wo das warnende Gelb an die Elektrizitaet der Vernunft erinnert. Auf dieser wahnsinnigen Mondpilgerreise kommt dem Geist das zweite Element des Diptychons in den Sinn, die Bank „pupo01“.
Cognacfarbenes Leder und goldfarbene Beschlaege, auch dies wartend auf eine Vergebung, ein Licht und einen Trost, die im Weltraum verloren gingen, die sich Davdesain jedoch lebendig und gelandet in einer Welt vorstellen wollte, die wir nie finden werden. Das Kreischen des Metalls als Symbol universellen Schmerzes und der Notwendigkeit von Naehe, von Haut: Hat dieses Sofa vielleicht wirklich die Wunden derer gelindert, die sich selbst verloren haben? Gewidmet jenen, die auf etwas warten, das man nur auf dem Mond finden kann.
Kataba, „es ist geschrieben“, ein modernes Memento Mori, dem Davdesain beschlossen hat, neue aesthetische und visuelle Kraft zu verleihen, indem es die weltweit erste Schmuck-Urne schuf. Objekte besitzen, ueber die Verleihung von Prestige und Komfort hinaus, die inhaerente Rolle, unmittelbar die Kraft der Emotionen zu vermitteln, die wir unserem Namen und unserer gelebten Erfahrung zuschreiben koennen. Welchen Sinn haette es, nur einen Teil des menschlichen Daseins umgeben von Schoenheit zu verbringen, nur um sie aufzugeben, wenn wir nun bloss noch Erinnerung sind?
KATABA ist das erste Beispiel eines je in der Moderne geschaffenen Trauerdesign-Objekts. KATABA, aus dem Arabischen „es ist geschrieben“, als greifbare Erinnerung an ein unausloeschliches Zeichen, an eine gelebte Erfahrung, die machtvoll den Kosmos durchquerte und die Sterne versiegelte in der Erfuellung des goettlichen Vorhabens, das jeder von uns zu vollbringen berufen ist. Auf einer kreisfoermigen Basis aus verschiedenen Materialien wie Achat, Kristall und Marmor ist ein zentraler quadratischer Sockel angebracht, der die vier Himmelsrichtungen symbolisiert, innerhalb derer diese Seele ihre viszerale Existenz fuehrte.
Die Urne wurde in Gold gefertigt, mit hermetischem Verschluss und magnetischer Verstaerkung, die sie durch Magnete fest an der Basis verankert haelt, als Symbol der Verbindung zwischen Himmel und Erde, waehrend die Goldbeschichtung das urzeitliche Symbol der Unvergaenglichkeit darstellt. Ueber der Urne spannt sich ein Bogen aus schwarzem Achat, eine Projektion zum unendlichen Himmel, die sich dennoch mit der Erde in einem endlosen, von Liebe und Erinnerung genaehrten Kreislauf verbindet. Auf der kreisfoermigen Basis symbolisiert ein Teppich aus gruenen arktischen Flechten die Ewigkeit.
Ein kleines Denkmal der Erinnerung, ein Designobjekt, das dazu dient, allen Schmerz der Abwesenheit zu transzendieren und ihn durch Formen und Schwingungen zu erheben, die das Auge in einem strengen Lichtspiel erfreuen, faehig, die Verzweiflung aufzuheben und sie in grenzenlose Gelassenheit aufzuloesen. Um sich daran zu erinnern, was wir jetzt sind, um geworden zu sein, was wir morgen sein werden.
Wenn die Schoenheit dazu berufen ist, eine Geschichte zu erzaehlen, wird es entscheidend, auch die emotionale Wirkung der Geschichte selbst getreu zu feiern und sie zeitgemaess und dauerhaft gueltig zu machen. Wenn dies geschieht, wird die Schoenheit zum Kanon, zum Instrument und zur Erinnerung. Es ist fast unglaublich, wie der Charme und die Groesse von Pompeji nach Jahrtausenden die Menschheit noch immer auf jedem einzelnen Breitengrad zu bezaubern vermoegen.
Vesevo entstand aus einem besonderen Wunsch: ein Beleuchtungselement mit Modernitaet und Stil zu interpretieren, das das gesamte Drama und die Erhabenheit der Vesuv-Tragoedie in sich truege. Eine bemerkenswerte, teils theatralische, sogar melancholische evokative Kraft, faehig, den Betrachter auf eine sich stets wandelnde Zeitreise mitzunehmen. So entstand Vesevo, eine variable Anzahl roemischer Buesten aus Kristall, in Erinnerung an die vom Ausbruch zu Boden geschleuderten Einrichtungsgegenstaende, die Jahrhunderte spaeter in perfektem Zustand geborgen wurden.
Jede Bueste unterscheidet sich von der anderen, hergestellt in Kristall und Schwarz; klare, theatralische Formen, die in ihrer Stille vom Verlorensein, aber auch von der Harmonie erzaehlen, vor der jeder Schmerz kristallisiert. Ein massgeschneiderter Kronleuchter, eine Ode, faehig, die unbezaehmbare Macht der Schoenheit zu feiern, ein universelles Bindeglied zwischen dem Unversoehnlichen und dem Absoluten. Entworfen von Davdesain.
Heisenbergs Unschaerferelation sagt uns, dass wir nie genau wissen koennen, wo sich ein Elektron um ein Atom herum befindet. Und doch lehrt uns die Quantenphysik, dass Teilchen genau in dem Moment zu existieren beginnen, in dem sie an einem bestimmten Ort konzipiert werden.
Aus dieser Anregung entstand Q-ANTIC, ein Stuhl, entworfen fuer einen jungen, eklektischen und vielseitigen koreanischen Kunden auf der Suche nach einem kuehnen dekorativen Element, das mit der minimalistischen Tradition bricht. Die Philosophie des Stuhls besteht darin, „in einer Welt in staendiger Schwingung“ zu existieren, bis sich der Geist lebendig fuehlt und in einem bestimmten Raum verortet ist, ein Spiegel unserer eigenen Realitaet. Die goldenen Akzente symbolisieren einen goldenen Kreis, der Macht darstellt, eine universell anerkannte Bedeutung durch Ringe und Medaillen, sowie die Sonne, die den unendlichen Kreislauf der Dinge darstellt, die sich selbst gleichen muessen, auch waehrend sie sich veraendern.
Davdesain wurde beauftragt, ein aussergewoehnliches Hochzeitsgeschenk fuer einen chinesischen Kunden zu entwerfen. Der Empfaenger war ein maechtiger, etablierter Mann bescheidener Herkunft, klein von Statur. Als Aeltester von neun Geschwistern war der zukuenftige Braeutigam seit seiner Kindheit die treibende Kraft seiner Familie gewesen, gepraegt von Strenge, Disziplin und Einsatz, die ihn zu dem einflussreichen Unternehmer machten, der er heute ist.
Das Konzept sollte eine unerwartete, ueberraschende Kraft darstellen, konzentriert in einem Segment verdichteter Materie mit unvorhersehbarer visueller Wirkung. Der Laokoon aus den Vatikanischen Museen, fein mit Wasserstrahltechnik aus Calacatta-Goldmarmor geschnitzt, wird von einer eifoermigen Plattform aus schwarzem gehaertetem Kristall gekroent. Das Gewicht des Lebens still, majestaetisch und diskret tragend, entwarf Davdesain einen massgeschneiderten Tisch, um den Familiensinn zu feiern, der die gesamte Existenz dieses Mannes geleitet hat.
Wie Laokoon bleibt er unbeweglich, aussergewoehnlich und unaufhaltsam angesichts der Umwaelzungen und Haerten des Lebens, ohne jemals nachzugeben. Die Botschaft des Schutzes kommt klar wie Kristall an, eingraviert auf einer Bergkristallplatte am Fuss des Marmorsockels. „Die Liebe ist eine Leiter, auf der die Goetter zu uns herabsteigen und wir uns zu ihnen erheben.“
Etwas widersteht dem heutigen kreativen Verfall, der unnachgiebigen Technizitaet, die das Auge bei jedem Durchgang aufnimmt und neu verarbeitet; etwas bleibt bestehen, das noch weiss, wie man die Grenzen der unverfaelschtesten Emotionalitaet ueberschreitet, und uns aus Sicht der Wahrnehmungspsychologie einlaedt, die kindliche Sichtweise klar zu bewahren, mit der man die Welt betrachtet. Inmitten der riesigen Auswahl an Dosen, in denen uns jede Art von Schmerz verkauft wird, bahnt sich eine ungewoehnliche visuelle Erzaehlung ihren Weg, die in ihrem zurueckhaltenden Ansatz die Kraft besitzt, zu beruehren und zu heilen. Die Illustrationen von Benito Fiola (@benito.illustrator) schaffen es in ihrer ekstatischen Natuerlichkeit, ein Gefuehl kindlichen Staunens in den Augen des Betrachters wiederherzustellen.
Illustrationen eines Unterholzes melancholischer, traeumender, zeitloser Kreaturen, die mit jedem Pinselstrich ein universell zugaengliches Gefuehlswoerterbuch verkoerpern. Die Zerbrechlichkeit, der Traum, die wehrlose Notwendigkeit, in all seiner strahlenden Kleinheit da zu sein, macht Benitos Aquarellillustrationen zu einem Symbol, das ueber die Figur hinausgeht; seine Kreationen erscheinen als Mahnung, den Sinn fuer das Massvolle und das Strahlende neu zu kalibrieren, das in jeder Deklination des Seins existieren kann; fernab der droehnenden digitalen Feiern einer hohlen, geerbten, unmotivierten und oft mystifizierten Erhabenheit. Seine Illustrationen zu bewundern ist Therapie fuer den Geist, gegen den Ueberschuss negativer Reize, es ist die Zerstoerung jener Verhaltenscodes, die auf Eile, Aggressivitaet, dem allgegenwaertigen visuellen Egozentrismus beruhen, unter dem wir leiden und dem wir uns immer mehr angleichen wollen, wobei jede hypothetische Botschaft ausgeloescht wird, solange sie sich identisch in ihrer eigenen Leere zu erneuern weiss.
Koennen Illustrationen heilen? Ja. Das Neurodesign hat die Pflicht, den Betrachter ueber die Gefahren aufzuklaeren, denen das Auge beim Sichten von Linien- und Farbansammlungen ohne Bedeutung begegnet. Die Dimension des Diskreten, des Sich-Genuegens, des stillen und geduldigen Widerstehens vor den Erschuetterungen, ist das Versprechen, das Benito zu halten weiss; eine Portraetkunst, die, ebenso wie die vollstaendig von Hand gefertigten Illustrationen, der ausschliesslich menschlichen Faehigkeit Autoritaet zurueckgibt, in das Geschaffene mehr als eine Antwort in Volumen und Toenen zu legen, sondern vielmehr eine gluehende Teilmenge von Reizen, die fuer jeden Betrachter zu schuetzen ist, von einer universell menschlichen Hand zu einem menschlich universellen Auge.
Anders als die heutige religioese Erzaehlung, in der auf eine suessliche Schoenheit eine ausgepraegte Mittelmaessigkeit und eine nun sinnentleerte Wiederholung von Formen folgt, entscheidet sich der Kuenstler Kobi, den Glauben und die Gestalt Christi mit einer rohen, materiellen Bildsprache zu erzaehlen, faehig, das ganze dramatische Gewicht der Kreuzigung und zugleich die Hoffnung der Auferstehung wiederzugeben. Seine Leinwaende, dicht an Farbe und Geste, suchen nicht die leichte Troestung, sondern die Wahrheit der menschlichen Erfahrung im Schmerz, im Fall und in der Moeglichkeit, sich wieder zu erheben.
Kobi malt einen Christus, der zugleich Apokalypse und Verheissung, Truemmer und Wiedergeburt ist, und schenkt der zeitgenoessischen religioesen Malerei eine visuelle Kraft, die man in konventionellen Darstellungen selten findet. Die menschliche Dimension neu zu beleben, ausgehend von Jesus, der hoechsten revolutionaeren Geste, im Glauben, dass die Menschheit noch eine Chance auf Wiedergeburt hat.
Gefangen in einem Crescendo koerperlicher Anspannung und mechanischen Bewusstseins, hat das heutige Lebewesen wie zu keinem anderen historischen Zeitpunkt seine Beziehung zur Zeit zu einem Element hoechster existenzieller, aesthetischer und emotionaler Bestimmung gemacht. Eine Zeit voller Besessenheit und Zerbrechlichkeit, ein stetiges Schwanken zwischen der Ungewissheit der Zukunft und dem Ruhm einer nun verschwundenen Vergangenheit. Genau hier, in diesem komplexen Werden, beginnt Sly zu schaffen, ein belgischer Bildhauerkuenstler, dem es mit unwiederholbarer Meisterschaft gelungen ist, die hohe Uhrmacherkunst zu einer neuen zeitgenoessischen Skulptur zu erheben, in einer Alchemie aus Einfallsreichtum, Poesie und Wahnsinn, die seine Kreationen scheinbar direkt dem Zylinder des verrueckten Hutmachers entnommen hat.
Seine Werke erscheinen als geschwungene metallische Evolutionen, leuchtend und verschlungen, hinter denen sich Schiffe, Ruestungen und andere unglaubliche Silhouetten verbergen, jede mit einzigartiger Meisterschaft ziseliert, kurz davor, jeden Moment zum Leben zu erwachen. Schmuckstuecke, Zifferblaetter, Kronen, alles verbindet sich auf diabolisch harmonische Weise, um uns eine weitere, noch hoehere Bedeutung zu geben, nicht der Zeit selbst, sondern der Formen, in denen wir ihr Vergehen zu kristallisieren streben. Es ist ein bestaendiges Gefuehl der Suche und des Opfers, einer wohldosierten Leidenschaft, die ohne Kompromisse ueber die raffinierteste und maechtigste Maschine in Sachen Kreativitaet, Handwerkskunst und Schoenheit siegt.
Der Mensch wird wieder zum Schoepfer, schoepft aus der Welt und interpretiert sie neu, indem er unerforschte Materialien und Bedeutungen nutzt, um einen Beitrag von seltener Schoenheit zum Leben zu erwecken. Sly erhebt die skulpturale Dimension, verharrt auf halbem Weg zwischen himmlischem Schweisser, perfektem Techniker und unbezaehmbarem Kreativen, um uns eine Idee von Meta-Zeit zu erzaehlen, frei von der Kleinheit der Mittelmaessigkeit und den Qualen des Chaos, aus dem, besonders in diesem genauen historischen Moment, ein unerwarteter Hauch von Mut und Herausforderung zu entspringen scheint. Slys uhrmacherische Skulpturen verzaubern uns, warnen uns und rufen uns dazu auf, darueber nachzudenken, wer heute der Schoepfer ist, wofuer es sich zu kaempfen lohnt und in welcher Erinnerung man bleiben soll: Sly ist der greifbare Beweis, dass Fortschritt, Evolution und Technologie im schoepferischen Akt immer zweitrangig bleiben werden, denn vielleicht ist die wahre Botschaft hinter seiner Skulptur genau das: das wiederzufinden, was hoffnungslos Goettliche, das wir im Laufe der Zeit wiedergefunden haben und das wir zugleich Stueck fuer Stueck verlieren.
Dieser Sitz ist ein Sinnbild der Einsamkeit und dafuer, wie man manchmal Hals ueber Kopf in den Wahnsinn rennen muss, um weniger Schmerz zu empfinden. Ein Sofa, das DAVDESAIN auf den Mond schickte, auf der Suche nach einem Frieden, der nie kam. Und so ruestet sich der Geist, schiesst in eine Umlaufbahn ueber eine feiernde Welt, auf der Suche nach jenem mikroskopischen Funken Liebe, der im Herzen eines unerwarteten Sturms verloren ging, in dem alles an den Geliebten erinnerte, der mittlerweile nur noch Abwesenheit und Angst war.
So flohen wir auf den Mond, in ein apokalyptisches Szenario, auf der Suche nach dieser Liebe, die selbst dort nicht zu wohnen schien, und waehrend wir darauf warteten, dass die Sterne uns den Weg wiesen, erschien er, das Sofa „while I wait and I cannot stay“. Ein Zweisitzer, geschmueckt mit spitzen, glaenzenden Metallelementen an den Raendern, ein Fragment eines Raumschiffs, das dem Aufprall des Herzens nicht standhielt; das Metall, um die Kompaktheit des Schmerzes zu signalisieren, wenn er ueber uns hereinbricht, eine Form, die, obwohl geschwungen, spitz und bestaendig bleibt wie Gedanken, die dieser Verzweiflung nicht entkommen koennen: es ist auch ein Schmerz, der sich dann kristallisiert und zwischen zwei Sitzen aus gehaemmertem schwarzem Kalbsleder erstrahlt, wo das warnende Gelb an die Elektrizitaet der Vernunft erinnert. Auf dieser wahnsinnigen Mondpilgerreise kommt dem Geist das zweite Element des Diptychons in den Sinn, die Bank „pupo01“.
Cognacfarbenes Leder und goldfarbene Beschlaege, auch dies wartend auf eine Vergebung, ein Licht und einen Trost, die im Weltraum verloren gingen, die sich Davdesain jedoch lebendig und gelandet in einer Welt vorstellen wollte, die wir nie finden werden. Das Kreischen des Metalls als Symbol universellen Schmerzes und der Notwendigkeit von Naehe, von Haut: Hat dieses Sofa vielleicht wirklich die Wunden derer gelindert, die sich selbst verloren haben? Gewidmet jenen, die auf etwas warten, das man nur auf dem Mond finden kann.
Gierig, misstrauisch, gekroent von ehrfuerchtiger Furcht, im Einklang mit mehr als 10 Texturen beschmiert; ein intensives Kommen und Gehen zerruetteter Fasern, Splitter, amorpher Gitterwerke, Elemente, die in ihrer archetypischen Tendenz, sich gegenseitig zu bekaempfen und zu vernichten, aus den Haenden des Bildhauers Antonio Massarutto als greifbare Fragmente einer traumhaften, ausser Kontrolle geratenen Naturdimension wieder auftauchen. Eine fast alchemistische, unvergleichliche Handfertigkeit auf der zeitgenoessischen Bildhauerszene; eine Arbeit von gequaelter Praezision, faehig, diesem Haufen aus plastischen Sehnen, pflanzlichen Voluten und knoechernen Volumen biomechanische Schwingungen einzufloessen, die wie ein Fluch von einer Leere Besitz ergreifen und sie in der unerwartetsten aller Entwicklungen neu bevoelkern.
Es sind Skulpturen betraechtlicher Groesse, ziseliert und bis ins kleinste Detail unaussprechlich, faehig, durch ihre materielle Polychromie Tiefe zu inspirieren: Massarutto schenkt uns einen apokalyptischen und verzauberten Wald. Massarutto respektiert die Natur und dupliziert sie, verdreifacht sie, stiehlt ihre schoepferische Absicht und beschwert sie mit dem ganzen menschlichen Wahn, mit Wesen, die aus irgendeiner unveroeffentlichten gotischen Erzaehlung zu stammen scheinen, ersonnen unter Barbituraten.
Schleiereulen, Wildschweine, Kraehen und andere Fabelwesen beobachten uns, draengen sich mit Nachdruck vor unseren zitternden Blick; denn waehrend die Reproduktion natuerlicher Formen als kuenstlerisches Feld bereits ausgiebig erforscht wurde, segeln wir mit Massarutto in einen naturistischen Futurismus, in dem nichts weiter uebrig bleiben wird als die Reste und Fluestern eines ausgestorbenen Universums – eines, das dank eines mit unerreichtem technischem Enthusiasmus durchgefuehrten Backups uns am Ende weniger schuldig und nachdruecklich mehr zu Schoepfern machen wird. In homine, Deus.
